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Art et photographie

Si la netteté comptait vraiment, Cartier-Bresson serait une blague

Lors d'un récent atelier, j'ai plaisanté en disant que la photographie de rue était le seul genre où les gens achetaient pour 3000 $ d'appareils photo et d'objectifs, puis les utilisaient délibérément pour créer des images floues, granuleuses et imparfaites. Cela a conduit à une discussion assez intéressante sur les mérites de l'imperfection.

Je pense que certains de ces points méritent d'être partagés ici, car cela a vraiment aidé à contextualiser certaines des idées des étudiants sur leur travail, et leur a permis de filmer un peu plus librement, à la recherche de la perfection dans les moments plutôt que des aspects techniques.

Je ne pense pas que je pourrais nommer une image historique qui pourrait être décrite comme étant aussi parfaitement nette que ce qu’il est possible de créer aujourd’hui avec même une combinaison d’appareil photo et d’objectif d’entrée de gamme. Cela est en partie lié au fait que le film photographique est un support intrinsèquement doux. Malgré l'attrait probable du vitriol de fervents cinéphiles, je devrais soutenir que même les films modernes les plus pointus; ILFORD Delta, Kodak T-Max, Fujifilm ACROS, ne surpasseront jamais même un capteur numérique plus ancien – je le dis en tant que tireur de films passionné et défenseur.

Presque tous les moments emblématiques de l'histoire rendus sur un film photographique sont plus doux que l'instantané moyen de l'iPhone. Place Tiananmen, le baiser du jour V-J, mère migrante, levant le drapeau sur Iwo Jima – aucun de ceux-ci n'aurait «tranchant» être le premier mot que j'associe à leurs caractéristiques. Des idées comme obsédantes, dramatiques, énergiques seraient plus proches de la cible.

Un gros plan de «Migrant Mother» de Florence Thompson
Un gros plan de «Lever le drapeau sur Iwo Jima» par Joe Rosenthal de l'Associated Press.

Dans les grands de la photographie de rue, je pense que le photographe dont le travail respire quelque chose de proche de la netteté serait Fan Ho, et même cela parce qu'il a utilisé beaucoup d'éléments à contraste élevé et des lignes droites. D'autres artistes comme Moriyama, Gilden et Winnogrand se sont penchés plus fortement sur la poursuite intrinsèque du genre basée sur le moment, et l'énergie dans leurs cadres est indéniable.

Nous voyons quelque chose de similaire dans les films classiques. Hitchcock, Kubrick, Leone; aucun d'entre eux n'avait accès à des objectifs aussi nets que ceux que nous utilisons aujourd'hui, et pourtant leurs films ne sont pas connus pour leur netteté technique, mais pour à peu près tout le reste. Je pense que la netteté au cinéma est une sorte de langage différent, car nous interprétons les choses différemment lorsque le mouvement est impliqué, mais cela soutient toujours mon argument.

Le cliché qui résume assez succinctement ce point est que c'est le idée qui doit être net – le moment doit être compréhensible, bien communiqué, même si cela signifie que le lorgnant des pixels révèle un désordre. L'image dans son ensemble doit avoir une clarté de concept. Ce que le spectateur retiendra d'une telle image, c'est un sentiment et un souvenir de l'essentiel du moment, de l'essence. Pas le grain, ni le micro-contraste, ni les pixels.

Ci-dessus, portrait candide d'un aveugle. Fomapan 400 Action, évalué à 200. Tourné avec un objectif 210 mm f / 4, en basse lumière. La vitesse d'obturation était d'environ 1 / 15e de seconde. Encore une fois, rien n'est net et il y a un flou de mouvement notable. Mais je pense que cela fonctionne toujours très bien – peut-être mieux s'il était parfaitement net et parfaitement exposé.

Lorsque je présente une image, je ne présente pas de netteté, ni rien d’autre. Vous ne voyez pas d'histogramme ni de données EXIF. Vous ne voyez rien d’autre que ce que j’ai choisi de présenter visuellement. À mon avis, rien d'autre n'a d'importance. C'est une image. Si elle est nette, si elle est douce, si elle n’est pas nette, acceptez-la et regardez la situation dans son ensemble – littéralement.

Je ne pense pas que la netteté devrait être l’une des dix premières choses auxquelles les gens pensent quand on juge une image, en particulier dans la rue / le documentaire. Cependant, cela devient différent s'il y a des attentes des clients. C’est très bien de payer Wing Shya pour des images ambiantes floues, mais je n’irais pas le voir pour des portraits d’entreprise. Je pense que dans le travail de portrait et de mode, il y a une norme plus élevée, et un photographe devrait toujours vérifier auprès de son employeur pour voir ce que l'on attend d'eux.

Là encore, il y a eu des images de studio tout aussi fantastiques qui utilisent le flou de mouvement ou des éléments flous pour transmettre une ambiance. L'intention ou la conception du processus est significative ici, comme pour tout art. Cela dépend de la décision du photographe.

Lorsque je présente une image, je suis propriétaire de ces décisions. J'ai pesé le mérite de chacun des aspects parfaits et imparfaits tels qu'ils me paraissent. Si je supprimais ensuite toutes les images que quelqu'un a commentées "c'est flou", je n'aurais plus beaucoup de portfolio. Avec le même état d'esprit, quand je vois une image «douce» d'un autre artiste, je suppose normalement que c'était une décision, ou permise par leurs normes, et je cherche plutôt à voir si cela a fonctionné, si leur image communique toujours efficacement.

Ce n'est pas quelque chose que je présume de conseiller en termes de correction – à moins qu'on ne me demande spécifiquement des commentaires, à quel point nous aurions une discussion sur l'efficacité de l'utilisation de ces qualités dans le cadre d'une technique plus large plutôt que de la supprimer complètement à moins que telle est leur intention.

Certains artistes que je connais prennent délibérément des mesures pour rendre leurs images plus douces, pour atténuer cette gravité numérique. Cela peut être fait techniquement en augmentant l'ISO, en réduisant la vitesse d'obturation ou en manquant délibérément très légèrement la mise au point. D'autres options pourraient être d'utiliser quelque chose comme un filtre Pro Mist, ou même simplement de la vaseline sur un filtre UV, ce qui peut conduire à de beaux looks de rêve.

Je doute que l’affirmation de cet article soit vraiment une nouvelle pour quiconque tire depuis un certain temps. L’une des principales forces directrices pour moi lorsque j’ai commencé à tourner sur des films était des sites Web comme celui-ci, et je ne suis pas très heureux de pouvoir participer à la discussion autour du médium à travers ma propre écriture.

Si je suis capable d'utiliser mes expériences pour mettre les nouveaux arrivants plus à l'aise avec la création d'images qui ont une énergie et une émotion merveilleuses, en détournant l'attention des éléments techniques qui servent généralement à faire en sorte que les gens se sentent plus à l'aise avec leur équipement que tout, alors je J'aurai l'impression que cet article a atteint son objectif.

Quand il s'agit de ma propre photographie, je ne crois pas à la netteté, juste assez nette. Cette mentalité m'a permis d'expérimenter plus librement des techniques comme le panoramique ou l'utilisation atmosphérique de sujets flous. Cela signifie que je me sens plus en paix lors de la conservation, car je n’applique pas de décisions techniques arbitraires après coup dans mon abattage. Je recherche tout ce qui a fonctionné, pas tout ce qui n’a pas fonctionné.

Cela signifie également que je suis beaucoup plus heureux d'utiliser des lentilles que beaucoup oublieraient parce qu'elles sont trop molles. Les objectifs les plus nets que j'utilise sont Leica, Zeiss et Nikon, mais sur le film, ils sont beaucoup plus nets en termes de netteté – le film fera plus de différence que l'objectif. L'objectif le plus doux que je possède est le 7artisans 50 mm f / 1.1, et même l'image la plus douce de celui-ci sera à égalité avec le Leica le plus net si elle est rendue sur quelque chose comme le Fomapan 400.

Je n’autorise pas mes élèves à discuter de la netteté pendant le segment d’évaluation critique de mes ateliers. Ce n'est pas quelque chose que je remarque vraiment à moins que je ne le recherche spécifiquement. Si je regarde une image, je la regarde d'abord dans son ensemble, puis dans les détails les plus fins, puis après cela, je pourrais penser à la façon dont les choses ont été réalisées techniquement – comment la profondeur de champ contribue, ou comment un format de film peut avoir été utilisé efficacement. Ne pas rejeter les choses simplement parce qu'un nez ou une oreille est dans une focalisation critique plutôt qu'un œil. Cela n'a tout simplement pas d'importance pour moi. Je ne pense pas qu’une image ait jamais eu d’importance en raison de sa netteté.


A propos de l'auteur: Simon King est un photographe et photojournaliste basé à Londres, qui travaille actuellement sur un certain nombre de projets de documentaires et de photographie de rue à long terme. Les opinions exprimées dans cet article sont uniquement celles de l'auteur. Vous pouvez suivre son travail sur Instagram. Simon enseigne également un court cours en photographie de rue à l'UAL, qui peut être lu ici. Cet article a également été publié sur EMULSIVE.

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