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Art et photographie

Pourquoi je photographie des paysages

Pourquoi je fais de la photographie de paysage? J'ai essayé de conceptualiser une réponse à cette question en approfondissant mon expression personnelle en créant des images.

Au cours de la dernière année, je suis devenu un étudiant de la forme d'art photographique, absorbant toutes les connaissances possibles d'une communauté florissante et massive. Je mentirais si je vous disais que je n'ai pas été influencé par le travail des pairs dans la communauté de la photographie et je suis presque sûr que tous, mais quelques étranges mentiraient également s'ils vous disaient la même chose.

A travers ces «études», j’ai entendu beaucoup d’autres danser autour de cette question ultime, donnant des morceaux de leur propre réponse. Afin de compléter l'autoréflexion que je recherche, je veux revenir sur les racines à partir desquelles ma photographie est née.

Pendant une grande partie de ma vie, j'ai été un coureur de distance compétitif. Pour tous ceux qui comprennent ce qu'il faut pour réussir à un niveau d'élite dans ce sport, vous connaissez les engagements de temps et d'énergie nécessaires pour effectuer – pendant des années, j'ai parcouru des milliers de kilomètres avec rien d'autre qu'une paire de baskets, un short et une montre , entraînée la plupart du temps par des résultats qui étaient un microcosme du processus.

Mais finalement, j'ai réalisé que l'ambition pour ces résultats diminuait, que j'avais développé une passion et une appréciation plus élevées pour ce processus, dépouillant les biens tangibles tout en se perdant dans l'émotion et la vie du monde naturel qui m'entourait. C'est la plus grande chose que j'ai découverte au cours des années que j'ai passées (et que je fais toujours) sur des sentiers avec rien d'autre que mon propre corps et esprit: une histoire d'amour et un engagement avec mon environnement naturel, une prise de conscience et une nécessité de préserver et de vivre dans cette relation autant que possible.

Cette renaissance s'est produite bien avant que je ne prenne un appareil photo. Cela s'est produit au niveau de la sous-conscience au début, mais j'ai finalement pu exploiter ces émotions et attacher un contexte verbal. Au fil des années, j'ai ouvert davantage ces portes et la photographie a joué un rôle.

Lorsque j'ai obtenu mon premier reflex numérique Nikon en 2017, je cherchais simplement à documenter certains souvenirs. Je n'avais aucune intention ni but derrière la création d'images; Je pointais simplement la caméra dans une direction et essayais d'inclure autant de beauté devant moi dans une seule image. Avance rapide jusqu'à aujourd'hui, et j'apprends toujours chaque jour sur ma relation avec mon art et les processus qui la sous-tendent.

Mais, depuis le moment où j'ai commencé à prendre des photos jusqu'à maintenant, une chose est restée constante: tout comme je me suis rendu compte à travers la course à distance que ma plus grande passion était l'expérience, le résultat final (images) est toujours secondaire au processus et à mon total une immersion dans le monde naturel qui facilite ce résultat final.

C'est pourquoi, pour moi, la photographie est bien plus que capturer un seul instant dans le temps. Quand je suis capable de me plonger pleinement dans la nature, les images que je crée sont une manifestation de cette immersion. Cette expérience peut durer plusieurs jours, semaines ou même années. Et cette expérience serait gravement diminuée si vous la supprimiez simplement en un sous-produit visuel. Au contraire, il est construit à partir de tous les sens.

En repensant aux souvenirs, je vais utiliser ceux d'un voyage de 2019 en Écosse comme exemple. Mon voyage a consisté en une randonnée point à point totalisant près de 140 miles en 7 jours. Pour moi, les images que j'ai créées pendant ce voyage ne sont pas des présentations des différents endroits que j'ai rencontrés, ni des souvenirs de moments isolés au cours de cette période. Au contraire, ils sont une représentation non linéaire de la totalité de cette expérience rendue entière.

Tout autant de ce qui est ne pas dans ces images ont contribué à leur création en tant que ce qui est visuellement présent dans chaque image – la façon dont l'air sentait la mer sauvage, la façon dont le sol se sentait sous le pied alors que je parcourais des dizaines de kilomètres de terrain marécageux, la façon dont le vent et la la pluie a pénétré chaque centimètre de mon être, la façon dont les rayons du soleil ont traversé les nuages ​​d'orage pour danser sur la surface de l'océan et le paysage montagneux.

Je ressens tout cela quand je regarde ces images.

La photographie de nature est l'aboutissement de l'avant, pendant et après ces expériences avec le paysage. Nous versons notre relation émotionnelle avec la nature dans une image, et nous espérons pouvoir partager au moins une partie de cette expérience sensorielle complète avec le spectateur.

C'est ce que la photographie est pour moi. D'une certaine manière, cela répond au «pourquoi?» qui a commencé cette auto-réflexion.

De plus, mon processus créatif se déroule tout autant sur le terrain qu’en post-production (conversion des fichiers bruts d’un appareil photo en image finale). Mon processus d'édition peut être décrit comme le «débriefing» de la collecte d'informations de mon esprit. J'attends souvent des semaines, voire des mois, pour examiner et traiter les images afin de permettre à ces informations de pénétrer et de comprendre.

Cette compréhension conduit souvent à une meilleure capacité à combiner toutes ces informations sensorielles dans un résultat final.


Faut-il définir le processus artistique en relation avec la photographie de paysage?

Décrire ce qui est au cœur de ma propre photographie m'a amené à voir ce qui, à mon avis, pourrait être ignoré lorsque d'autres photographes tentent d'expliquer le «pourquoi?» derrière leur propre travail ou leurs propres définitions de la forme d'art (du moins en ce qui concerne la réflexion sur mon propre processus artistique; sachez que je pense que l'opinion de personne ne doit jamais être décrite comme erronée ou manquante).

Ce sujet provient parfois d’un débat classique au sein de la communauté de la photographie de paysage sur l’échelle des propensions des différents photographes à traiter, éditer et parfois manipuler les aspects visuels d’une image. Il peut y avoir des opinions très polarisantes et «controversées» à ce sujet, certains photographes étant plus francs que d'autres par rapport à quel côté de la clôture leurs opinions atterrissent.

De nombreux photographes croient fermement qu'il existe des limites à la racine de la définition de la photographie, et si un artiste franchit ces limites, son art cesse d'être défini comme la photographie. Le défaut fatal de ces discussions est qu’un mur existe en premier lieu – cela impliquerait une uniformité de l’art qui facilite la comparaison directe du processus de chaque artiste au suivant.

Je pense que nous trouvons le plus de succès en tant qu’artistes lorsque nous acceptons que nos processus artistiques existent dans une dimension non linéaire et en constante évolution dans laquelle ils sont indépendants les uns des autres.

Les artistes sont invités à avoir des règles dans leurs processus. J'ai définitivement mes propres règles, bien que je les décrirais plus comme des inclinations dérivées de ma connexion émotionnelle avec un sujet. Là où les choses deviennent controversées, c'est quand les artistes veulent imposer leurs propres règles au collectif. Cela contredit la nature même du processus artistique.

Nous devons tous être d'accord pour avoir nos propres «règles» qui sont uniques à notre propre travail, tout en réalisant que les règles d'un autre artiste peuvent être différentes. Cela ne signifie pas que le processus et le produit final d'un autre sont fondamentalement «mauvais». L'art se définit par sa non-conformité, et je crois que la photographie est de l'art.

Comme je l'ai dit plus tôt: pour moi, la photographie est bien plus que la représentation visuelle d'un seul instant dans le temps. Il s'agit de l'émotivité de mes expériences avec la nature et du transfert de cette émotion dans une image afin de raconter une histoire. Une histoire n'est pas statique, et ma photographie non plus. Ce n'est pas parce qu'une image finale ne ressemble pas exactement à un seul fichier brut sur l'écran LCD de mon appareil photo qu'elle est fausse.

Peut-être que des moments de plusieurs images de l'emplacement ont été combinés, peut-être que les couleurs et la balance des blancs ont été ajustées, les longueurs focales mélangées, les zones esquivées et brûlées, les expositions entre parenthèses, ou peut-être que les images ont été assemblées. Je ne suis peut-être pas le post-processeur le plus libéral, mais je ne suis certainement pas non plus le plus conservateur.

Penser à la photographie dépend tellement littéralement de la technologie et de la physique d'un instrument qui voit le monde très différemment d'un humain, et qui n'a finalement pas la pleine puissance sensorielle pour créer la même connexion émotionnelle avec le sujet. Quand je suis sur le terrain et que je retouche mes images, je me concentre beaucoup plus sur ce lien émotionnel et j'essaie de suivre où cela me mène.

L'une des affirmations les plus populaires de la "boîte à savon" en photographie est que "ce n'est pas à propos de l'appareil photo; il s'agit du photographe. " Nous nous devons, en tant que photographes, de défendre véritablement cette notion en ce qui concerne notre propre travail en libérant les contraintes de notre propre processus de création qui découlent de la comparaison et de la définition à nos pairs et à la communauté dans son ensemble.


A propos de l'auteur: Matt Fischer est un photographe de paysages et de paysages primé des États-Unis. Sa passion pour la préservation des paysages magnifiques, sauvages et intacts du monde est une force motrice pour sa photographie. Vous pouvez trouver plus de son portfolio et de son contenu sur son site Web ou en le suivant sur Instagram et Facebook. Cet essai a également été publié ici.

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